Título: Catedral de Burgos.

Autor: Maestro Enrique.

Fecha: 1221

Estilo: Gótico.

Comentario: La espiritualidad ansiosa de luz y el anhelo de elevación que caracterizan al siglo XIII se traducen fielmente en la catedral gótica, que será el símbolo por antonomasia del templo cristiano. La catedral gótica es la línea vertical, estirando sus columnas y rematando en pináculos y agujas. Se utiliza el arco apuntado y la bóveda de crucería; los elementos que trasladan los empujes a tierra son los arbotantes y los contrafuertes. Gótico significa el triunfo del vano sobre el muro y la posibilidad de incluir en la estructura vidrieras y rosetones (ventanas circulares que se sitúan en la fachada principal de las catedrales góticas.

Título: Vidrieras de la Catedral de León.

Autor: Anónimo

Fecha: Siglo XIII

Estilo: Gótico.

Comentario: En la catedral de león encontramos el mejor conjunto de vidrieras del gótico español. Se han dejado atrás los temores del milenarismo y el cuerpo no se contempla como un miserable soporte del alma, sino como una maravillosa obra de Dios y Dios es la luz que atraviesa los cuerpos sólidos sin romperlos (como el cristal). La catedral gótica que es la morada de Dios, es el simbolo de esta nueva espiritualidad cristiana, un espacio lleno de luz. Con las vidrieras el color alcanzara cimas únicas en la historia creándose una atmósfera irreal y extraña, de un mundo no terrenal de hondo impacto espiritual.

Título: La Anunciación.

Autor: Fra Angélico.

Fecha: 1433

Estilo: Renacentista.

Comentario: Este retablo es una ilustración perfecta del primer Renacimiento. Fra Angélico experimenta con las nuevas ideas renacentistas, como la perspectiva, pero su grácil estilo está impregnado de la serenidad de su fé. El cuadro está repleto de iconografía cristiana como La Expulsión de Adán y Eva del Paraíso, La Anunciación del Arcángel Gabriel a la Virgen María, el halo que representa el aura de la Santidad, la paloma, encarnación del Espíritu Santo, que simboliza con su venida el momento de la concepción. El culto mariano se desarrolló en el siglo XV para cubrir la necesidad de la iglesia de contar con una figura maternal. María cruza las manos sobre el pecho en señal de que acepta la misión que Dios le ha encomendado.

Título: El matrimonio Arnolfini.

Autor: Jan van Eyck.

Fecha: 1434

Estilo: Gótico-flamenco.

Comentario: Este retrato representa la ceremonia nupcial de una pareja de la alta burguesía. Hasta el Concilio de Trento el sacramento matrimonial era oficiado por los mismos contrayentes. El recurso para crear la perspectiva consiste tanto en utilizar la minuciosidad en la representación de los objetos como la luz que envuelve la escena creando sensación de realidad. Es un lienzo lleno de simbolismo oculto:la posición dominante del hombre se muestra por su postura frontal y su aspecto solemne; la mujer recoge su vestido a la manera de las vírgenes antiguas, simbolizando su virginidad; el perro significa fidelidad y servicio; la luz de la ventana, nítida y transparente hace referencia a la pureza de la mujer; el espejo es símbolo de verdad, el “ojo de Dios” omnipresente.

Título: Cúpula de Santa María dei Fiori de Florencia.

Autor: Brunelleschi.

Fecha: 1420-1446

Estilo: Renacimiento italiano. Quatroccento.

Comentario: Esta cúpula corona la catedral gótico de Florencia y le da un nuevo significado. Su perfil equilibra en altura el volumen longitudinal de la nave. El autor diseña un sistema de doble cúpula, la interior en forma semiesférica y la exterior apuntada, lo que confiere al edificio de un fuerte impulso vertical.El espacio vacío generado entre ambas aligera el peso de la estructura, a la vez que permite una mejor prevención de la humedad. Para la cúpula exterior articuló un sistema de ocho nervios en mármol rellenados con tramos revestidos de tejas rojas planas, creándose un alternancia cromática de gran efecto plástico. Todos los nervios confluyen en un punto de fuga, la linterna. Terminada tras la muerte de Brunelleschi.

Título: San Pietro in Montorio. Roma.

Autor: Bramante.

Fecha: 1512

Estilo: Renacimiento italiano. Cinquecento.

Comentario: Es un templo funerario erigido en el lugar en el que se cree fue crucificado San Pedro. La planta de simetría central ya había sido utilizado en la Antigüedad para los monumentos funerarios, pero Bramante vio además en la planta circular la mejor expresión de su racionalidad renacentista. El edificio se asienta sobre unos escalones circulares que le dotan de cierta perspectiva, y sobre éstos se disponen 16 columnas dóricas que sostienen un friso coronado por una balaustrada. El conjunto se completa con un tambor, en el que se alternan las hornacinas con los nichos rectangulares, y una cúpula semiesférica en la que los nervios apenas se insinúan. Con ello se conjugan los elementos arquitrabados y los abovedados de la arquitectura romana, en un arte no meramente imitativo, sino que adopta este lenguaje para obtener soluciones adecuadas a su época. La austeridad decorativa desplaza todo el protagonismo a la sobria robustez y pureza de formas que caracteriza el clasicismo arquitectónico.

Título: Puertas del Baptisterio de Florencia.

Autor: Ghiberti.

Fecha: 1402-1424

Estilo: Renacimiento italiano. Quattrocento .

Comentario: En 1402 Ghiberti gana el concurso para la ejecución de las puertas del Baptisterio de Florencia. En 1425 se le encarga la segunda puerta del Baptisterio , organizándola de forma totalmente distinta a la primera puerta donde son evidentes las reminiscencias góticas. Está dividida en 10 grandes recuadros rectangulares, con escenas de compleja composición con muchos personajes, que se mueven en un amplio espacio, tratadas de modo casi pictórico, dando gran volumen a los elementos del primer término y apenas cuerpo a los lejanos, aplicando a la escultura recursos de la perspectiva, ordenando la composición en planos que valoran la luz y la sombra.

Título: David.

Autor: Donatello.

Fecha: 1430

Estilo: Renacimiento italiano. Quattrocento .

Comentario: David es el héroe bíblico que se convierte en rey de los judíos al vencer, sirviéndose de la habilidad y la razón, al gigante Goliat, encarnación del pueblo filisteo, enemigo de su patria..La escultura tiene connotaciones humanistas al mostrar el joven cuerpo del vencedor desnudo, pero con botas y un gorro típico de los campesinos toscanos, algo anacrónico en la escultura clásica. En el aspecto moral simboliza el nuevo tipo de héroe individual que, con su virtud, es capaz de vencer a un poderoso enemigo. Donatello plasma un desnudo consciente: David enseña como un emblema su cuerpo, suavemente articulado en una armonía de movimientos muy sensual. La pureza de su rostro adolescente enmarcado en una sensual cabellera realzan el sentido poético de esta obra que rebosa optimismo y amor por la vida.

Título: Moisés.

Autor: Miguel Angel.

Fecha: 1513-1516

Estilo: Renacimiento italiano. Cinquecento.

Comentario: Según el Antiguo Testamento, este hebreo “salvado de las aguas” libero y condujo al pueblo elegido porYhavé en su éxodo a la tierra prometida; durante 40 días se retiro al monte Sinaí hasta recibir el Decálogo; al regresar junto a los suyos, vio que éstos adoraban a falsos ídolos; encolerizado por la traición con que el pueblo judío respondía a su Dios, se contiene antes de estallar y lanzar las tablas de la ley contra los ídolos. Es un elegido por Dios para difundir e l monoteísmo. Es un profeta de gran resistencia física y fuerza espiritual; inspira respeto y temor. Miguel Angel rompe en esta escultura con la armonía y equilibrio del primer Renacimiento, a pesar de que sus ropajes están dispuestos a la manera clásica. Sus cabellos y su poblada y larga barba simbolizan la energía primigenia y la fertilidad; sus rasgos faciales contraídos, expresión de la terribilitá. Su anatomía titánica y exuberante expresa movimiento: la cabeza gira hacia la izquierda, el contraposto entre brazos y piernas, el gesto de la mano que retira la barba. Esta escultura pertenece ya al alto Renacimiento y anuncia una nueva manera de concebir el arte.

Título: El nacimiento de Venus.

Autor: Sandro Botticelli.

Fecha: 1478

Estilo: Renacimiento italiano. Cinquecento.

Comentario: En la mitología clásica Venus, diosa del amor y el deseo erótico, no nació de una unión sexual sino que surgió de la espuma del mar, fecundada por los órganos genitales de Urano, tras su castración. Su amante fue el apuesto Ares, dios de la guerra, aunque también estuvo unida a Dionisio, dios de las orgías que siguen a la borrachera. El cuadro representa una escena con cuatro personajes en un idílico paisaje. Las dos figuras de la izquierda simbolizan la unión de la materia y el espíritu para insuflar la vida a Venus. No se representa el amor carnal o el placer sensual sino que se acerca más al ideal de la inteligencia pura o suprema sabíduria. La “Hora” tapa con su manto a la diosa, en señal de que los misterios de Venus , como los del conocimiento, están ocultos. Los personajes parecen flotar sobre el paisaje, realzando su carácter etéreo. La temática entronca con las doctrinas Neoplatónicas: “el hombre debe buscar la unidad entre belleza, amor y verdad”. Venus encanará la conjunción de amor sensual y amor ideal. Técnicamente predomina la línea sobre el color. En el tratamiento del cuello y el hombro de Venus se observan ciertas deformaciones técnicas, pero tales “errores” acentúan su idealización al crear líneas onduladas y suaves que incrementan la elegancia de esta Venus, considerada el modelo de belleza femenina del siglo XV.

Título: La escuela de Atenas.

Autor: Rafael.

Fecha: 1510

Estilo: Renacimiento italiano. Cinquecento.

Comentario: Es un encargo del papa Julio II. Representa la sabiduría clásica en un amplio escenario donde bajo los rasgos de personajes renacentistas se representan los filósofos de la antigüedad en variadas y activas actitudes. En el punto de fuga y centro de la escena Leonardo representa a Platón, que señala hacia arriba el mundo de las ideas. Junto a él Aristóteles nos indica con su mano el mundo de la materia, mostrando el valor de la experiencia. Entre el resto de personajes se puede reconocer a Miguel Ángel como Heráclito, a Bramante como Euclídes y al propio Rafael. Con ello el pintor quiere mostrar que la categoría de los artistas modernos es comparable a la de los sabios de la antigüedad. El marco arquitectónico es inmenso y de una gran profundidad. Rafael crea un espacio a modo de escenario, con escalinata, arcos de triunfo y bóvedas, en el que se enmarcan, perfectamente centralizados, todos los personajes que conforman este fresco. Con ello logra una composición de gran unidad, equilibrada y armónica.

Título: La creación de Adán ( Bóveda de la Capilla Sixtina).

Autor: Miguel Angel.

Fecha: 1508-1512

Estilo: Renacimiento italiano. Cinquecento.

Comentario: En la Capilla Sixtina, Miguel Ángel representó el principio y el fin de la humanidad, desde la Creación, en la bóveda, hasta el Juicio Final, que ocupa la pared del altar. Pinta la bóveda a 25 metros de altura con escenas del Antiguo Testamento y de la Antigüedad Clásica. En su primera etapa de Roma, Miguel Ángel descubrió el desnudo de la escultura griega, que le sedujo profundamente. En el conjunto de la bóveda no siguió las reglas de la perspectiva, sino que las figuras se entrelazan de manera artificiosa y en multiplicidad de movimientos. Miguel Ángel busca dotar de vitalidad y dinamismo a la composición. En la creación de Adán, Dios padre da el hálito de vida al primer hombre al infundirle el alma. Había moldeado primero la materia, pero, al fluir de su mano extendida el soplo vital, esa materia inerte comienza a moverse y sentir. Cada parte de su anatomía responde despertándose lentamente a la vida. Como en otras escenas, ésta es también concebida de forma esencialmente escultórica. La escena se compone de dos grandes unidades plásticas: Dios aparece en la inmensidad del cielo con un manto envolvente, majestuoso, acompañado de un coro de ángeles. Se acerca al mundo desolado y vacío de Adán. Éste no puede despertar por sí solo, necesita la energía divina. Adán es la idea divina del hombre y a la vez la copia mortal de Dios.

Título: La Bacanal.

Autor: Tiziano.

Fecha: 1519

Estilo: Manierismo italiano.

Comentario: Los temas mitológicos eran los preferidos de la aristocracia para decorar sus palacios. Dionisio, dios de la alegría y del vino, contrajo matrimonio con Ariadna, la hija del rey Minos, que había sido abandonada por Teseo. En esta obra Ariadna, al despertarse, descubre que ha sido abandonada por Teseo, al que ve alejarse en un velero. La alegre llegada del cortejo de Dionisio, dios del vino, precede al enamoramiento de éste. El tema recoge la tradición clásica de las fiestas dionisíacas y constituye un canto a los placeres de la vida. En el centro, dos muchachas se embriagan, después de haber acompañado con sus flautas una melodía cuyo texto aparece en un pequeño escrito: “Quien bebe y no vuelve a beber no sabe lo que es beber”. Les rodea el bullicio de los bacantes que beben y cantan alegremente. El pintor no parece evocar un mundo desaparecido, sino mostrar una realidad cálida y viva, muy sensual. Danza, música, vino, erotismo y paisaje desafían nuestros sentidos en una composición en la que la armonía de la luz coloreada constituye el elemento integrador del cuadro.

Título: El Escorial.

Autor: Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera.

Fecha: 1563-1584

Estilo: Renacimiento español.

Comentario: Felipe II ideó la construcción de un monasterio en el Escorial para conmemorar la victoria sobre las tropas francesas en la batalla de San Quintín, ganada el día de San Lorenzo. El edificio tenía una múltiple finalidad. Palacio, iglesia, panteón real y centro destinado a las artes y las letras. La planta del monasterio es un gran rectángulo del que solo sobresale la zona destinada a los aposentos reales. La iglesia-mausoleo presenta una planta central de cruz griega sobre la que se levanta una gran cúpula. Bajo el altar se encuentra el panteón real de planta octogonal, decorado con mármol jaspeado que crea un sobrecogedor ambiente. A ambos lados del templo, y casi simétricamente, se organizan los patios y demás dependencias. La fachada es un colosal muro de granito desnudo y sin más ornamentos que las sencillas ventanas. Esta austeridad solo se suaviza ligeramente en la entrada principal, donde ocho columnas dóricas adosadas sostienen el pequeño cuerpo central, algo más alto, en el que se sitúa una imagen de San Lorenzo, y se remata con un frontón. Las torres angulares acabadas con los chapiteles de pizarra, la cúpula y los campanarios sobresalen de la gran masa pétrea, pero sin distraer su pureza arquitectónica. En torno al edificio hay una amplia explanada que permite su contemplación. El conjunto, símbolo del estado universal de Felipe II- el imperio donde no se ponía el sol- acusa frialdad y racionalismo. La severidad decorativa del conjunto inaugura el estilo herreriano, ligado al estilo de la Contrarreforma, encarnado en la figura de Felipe II.

Título: El entierro del Conde de Orgaz.

Autor: El Greco.

Fecha: 1586-1588

Estilo: Renacimiento español.

Comentario: Representa un hecho milagroso local acaecido en la Edad Media: la sepultura en la iglesia de Santo Tomé de Gonzalo Ruiz de Toledo, señor y benefactor de la ciudad de Orgaz, muerto en 1523. Para recordar la leyenda el párroco de la iglesia había hecho construir una capilla sobre la tumba del señor de Orgaz. Después quiso solemnizar con un gran lienzo el carácter funerario de la capilla y el significado del acontecimiento. Párroco y pintor se ponen de acuerdo en la estructura del cuadro: la colocación del cuerpo del señor en la tumba, la presencia de “mucha gente mirando” y, en la parte alta, un cielo abierto de gloria. Sobre este bosquejo, el pintor trabaja a su antojo añadiendo nuevos elementos, como el Juicio y la acogida del alma del conde en el cielo. En la parte inferior recrea una escena funeraria del siglo XVI, con toda la pompa de blandones, cruces procesionales, ordenes religiosas y notables de la época. Entre los asistentes figuran un monje agustino que tiende la mano y mira al franciscano que esta junto a él, como si le recordara las buenas obras del conde y una serie de aristócratas a la moda. El cuadro entusiasmo a sus contemporáneos. Su técnica pictórica se caracteriza por su pincelada suelta y libre y por su rico y suntuoso colorido, de gamas preferentemente frías.

Título: San Carlo alle Quattro Fontane.

Autor: Borromini.

Fecha: 1638

Estilo: Barroco.

Comentario: Esta iglesia, a pesar de sus reducidas dimensiones, es la más destacada del arquitecto por su rigor y exquisita creatividad. Proyecta una planta elíptica y alargada con muros alabeados que ponen de manifiesto el dominio de la línea curva. En su interior para acentuar el movimiento continuo, coloca 16 columnas adosadas y crea un juego de convexidades y concavidades que se intensifica con otros elementos decorativos, como hornacinas y nichos con estatuas, consiguiendo así un excepcional contraste de claroscuros. El conjunto se prolonga en dos pequeñas capillas hexagonales situadas en diagonal y que se completan con la cripta y el claustro. Al dinamismo del recinto contribuye también el empleo del ladrillo, revestido de estuco blanco. Todo ese espacio se cubre con un cúpula oval, decorada con artesonados de distintas formas y tamaño decreciente que producen un efecto de ilusionismo espacial y una linterna ovalada remata el edificio. La situación del edificio, en la confluencia de angostas calles, obligó al arquitecto a cortar la esquina en chaflán para aumentar la visibilidad del frontis .La fachada ondulante se divide en dos pisos en los que combina el orden tradicional con el gigante. El cuerpo inferior alberga 3 hornacinas con las estatuas de San Carlo Borromeo y los fundadores de la Orden. Nichos vacíos ventanas ovaladas, balaustradas, entablamentos vigorosos y columnas exentas dotan al edificio de movilidad. Es un organismo vivo que se transforma por la variedad de claroscuros creados por la luz natural.

Título: El éxtasis de Santa Teresa.

Autor: Bernini.

Fecha: 1645-1652

Estilo: Barroco.

Comentario: Bernini no pretende plasmar es esta escultura sólo una escena, sino un ambiguo estado de ánimo. Placer, dolor, erotismo y espiritualidad se entremezclan en una figura que parece estar más allá de la realidad. El ángel-cúpido, de expresión dulce, se acerca lentamente hacia la santa, que se halla en pleno desvanecimiento místico, para clavarle la segunda saeta. Los profundos pliegues ondulantes y cortantes transmiten la sensación de dinamismo y movimiento. También crean sombras que, en contraste con la luz imperante, acentúan la expresividad del conjunto. El grupo está tallado con mármol de diferentes calidades y rodeado de rayos dorados realizados en bronce. El uso de diferentes materiales responde al gusto del barroco por su policromía. La escultura recibe la luz del exterior a través de una ventana oculta. Esta luz es un elemento fundamental en la obra, ya que da vida a las formas y cohesiona al conjunto. Incide especialmente en la mano del ángel, que simboliza la energía divina. La religiosidad surgida en la Contrarreforma ya no se limita a utilizar el arte para explicar unos contenidos, como sucedía en la Edad Media. La teatralidad barroca se despliega para persuadir y convertir a través de representaciones que arrebaten los sentidos.

Título: La vocación de San Mateo.

Autor: Caravaggio.

Fecha: 1598

Estilo: Barroco.

Comentario: El lienzo narra la conversión del apóstol Mateo, recaudador de impuestos, sentado alrededor de una mesa con otras cuatro personas que cuentan dinero. Por la derecha entran dos hombres con atuendos bíblicos. Uno de ellos, Jesús, señala a Mateo y le invita a seguirle. Éste reacciona sorprendido al sentir la llama divina, simbolizada por el rayo de luz que ilumina su rostro. El pintor ha escogido el momento de mayor intensidad dramática. Capta el instante y concentra en él todo el contenido narrativo del pasaje evangélico. El artista toma como modelo las gentes de la calle y los pinta con exactitud naturalista; ningún otro pintor sabía emocionar e impactar al público como Caravaggio. Caravaggio concentra la atención en unas pocas figuras, desinteresándose de los objetos circundantes y del espacio. La luz incide violentamente en los escasos puntos que han de ser captados por el espectador. Su tenebrismo no conoce gradación lumínica ni matices. Sólo el contraste entre la luz que hiere y la oscuridad que oculta. El pintor se acerca a la realidad concreta, a través de ella crea tensiones que proyectan al espectador hacia el mundo trascendente.

Título: El rapto de Proserpina.

Autor: Rubens .

Fecha: 1636-1338

Estilo: Barroco. Escuela flamenca.

Comentario: El tema del lienzo es mitológico; la escena capta el momento en que Proserpina es raptada por Plutón, mientras Minerva, Venus y Diana intentan detenerlo. Los personajes están entrelazados de tal forma que cada movimiento parece consecuencia del anterior y causa del siguiente, lo que confiere una gran dinamismo a la obra. Más que el orden, se busca la sensación y la impresión, lo que se consigue a través de la teatralidad de los gestos. Los cuadros de la escuela flamenca suelen ser de grandes dimensiones ya que su destino eran los salones de la aristocracia. La nobleza católica flamenca gusta de estos lienzos superficiales, sensuales y optimistas que la reafirman en su confianza en la vida. La composición, abierta y libre, se organiza alrededor de múltiples líneas oblicuas y diagonales que se abren hacia el infinito. El pintor plasma masas amplias y a la vez volátiles. Los personajes son corpulentos, sensuales y tienen formas redondeadas. En este conjunto de anatomías poderosas, la musculatura bronceada del dios contrasta fuertemente con la piel nacarada de las mujeres y los ángeles. Líneas curvas, cortas y rápidas modelan cuerpos enérgicos y favorecen la torsión de las figuras. En la escena vibra el cromatismo cálido característico de Rubens: una variada gama de tonos aplicada con pincelada discontinua y suelta que aporta gran brillantez al cuadro.

Título: La ronda de noche.

Autor: Rembrant.

Fecha: 1642

Estilo: Barroco. Escuela holandesa.

Comentario: En Holanda el poder lo ostentaba la burguesía enriquecida por el comercio, que era el principal cliente para los artistas. El calvinismo impulsa una mayor valoración del trabajo y de la vida cotidiana, rechaza la ostentación e impone austeridad de costumbres. Sin embargo, los burgueses se valoran a sí mismos como individuos y como grupo y desean ser sujetos de la obra de arte, por lo que decoran sus viviendas con cuadros generalmente de pequeñas dimensiones. Los temas suelen ser retratos, bodegones, paisajes o escenas de la vida cotidiana. El rigor protestante impide desarrollar escenas mitológicas y temas religiosos. Por otra parte, los retratos corporativos, destinados a estancias más amplias, eran de mayores dimensiones. Una sociedad de tiro encargó a Rembrant este lienzo, retrato colectivo en el que se representa al capitán Cocq y su compañía de milicia. El pintor sorprende al grupo a la salida de un pasaje cubierto, rompe el orden del desfile y mezcla a los milicianos con los transeúntes. Presenta al grupo de forma espontánea y libre, si orden aparente, en el instante en que se dispone a avanzar siguiendo las órdenes de la mano del capitán. La disposición de los personajes, los gestos y miradas, la actitud dinámica y la vivacidad del conjunto atraen la atención del espectador, que se siente partícipe real de la escena. Rembrant es una gran artista de la luz. Conocedor de la técnica tenebrista de Caravaggio, muestra más interés en los matices que en los contrastes de luz, en sus lienzos predominan las penumbras misteriosas y doradas que aportan un gran atractivo a sus obras. Sus estudios sobre la luz le llevan a dar armonía y atmósfera al conjunto a través del color. Con el amarillo del uniforme del teniente, el vestido de seda de la mujer y los tonos rojos consigue infundir calidez y aproximarnos a la escena. A través de la luz y de sus contrastes impregna de realidad el espacio y las formas.

Título: El Obradoiro.

Autor: Fernando de Casas y Novoa.

Fecha: 1738-1750

Estilo: Barroco español.

Comentario: El barroco gallego alcanza su cenit en la fachada del Obradoiro de la catedral de Santiago de Compostela. Junto a la catedral románica, José Peña de Toro levantó en 1670 la torre de las Campanas. Para armonizar el conjunto, en el siglo XVIII, Casas Novoa edifica la réplica denominada torre de la Carraca. Finalmente, el mismo arquitecto construye, en granito, un pórtico a modo de tríptico pétreo que se divide en dos cuerpos. En ambos cuerpos los ventanales se combinan con columnas exentas, estatuas y otros elementos decorativos, en un juego de líneas y curvas que produce contrastes de luz y sombra. El pórtico está coronado por una espadaña muy ornamentada que culmina en un templete que alberga la imagen del apóstol Santiago con traje de peregrino. Debajo, las imágenes de los padres del apóstol, ocupan las hornacinas situadas a ambos lados de los símbolos de Compostela- la urna y la estrella-, rodeados de una aureola de ángeles. Esta fachada se edificó para proteger el Pórtico de la Gloria y proporcionar luz directa a las galerías y naves del interior del templo románico. Para conseguir la transparencia, Casas Novoa colocó un tímpano de vidrio sobre la puerta principal y abrió una serie de grandes ventanales en el panel central. Esta parte del Obradoiro es conocida como El Espejo, ya que al atardecer el sol la ilumina creando reflejos espejeantes. La horizontalidad de los dos edificios que limitan esta fachada- el palacio Gelmírez y el muro exterior del claustro catedralicio- intensifican su carácter ascensional. La amplia plaza que se extiende ante ella permite la contemplación de esta apoteosis barroca.

Título: La Piedad.

Autor: Gregorio Fernández.

Fecha: 1617

Estilo: Barroco español. Escuela castellana.

Comentario: La escultura española es básicamente religiosa, pues su principal clientela es la Iglesia. parroquias, cartujas y catedrales, en su afán por destacar, quieren poseer una maravilla del arte. Las cofradías encargan esculturas para ser paseadas en las procesiones de Semana Santa. Son imágenes de gran efectismo que dan la sensación de estar vivas. El paso de la Piedad es un conjunto escultórico formado por Cristo, la Virgen, la Magdalena, San Juan y los dos ladrones. La figura central del Paso es la Virgen que revela su desamparo con la cabeza ligeramente ladeada, la boca entreabierta y la mirada dirigida al cielo. Las manos acompañan la expresión del rostro: actitud trágica que contrasta con la serenidad del Cristo yacente. Los músculos están tratados con gran verosimilitud, y este realismo acentúa el dramatismo del conjunto, a lo que contribuye el tratamiento del ropaje con grandes pliegues angulosos y quebrados. A través de la fuerte expresividad y la exageración de los efectos dolorosos se pretende mover el sentimiento de quién lo contempla e infundir religiosidad. La escultura se completa con el policromado de su superficie, utilizando dos técnicas diferentes: El “encarnado” se emplea para pintar las carnes y se realiza en color mate. En las vestiduras se utiliza el “estofado”, que consiste en cubrir primero la superficie con láminas de oro para después pintar encima; finalmente se rasca para dejar relucir el oro, que confiere luminosidad a la figura.

Título: Las Meninas.

Autor: Velázquez.

Fecha: 1656

Estilo: Barroco español.

Comentario: Las Meninas es la obra cumbre de la pintura barroca española. Los retratos de Velázquez son una conjunción de cualidades a menudo contrapuestas: grandiosidad y realismo, intimidad y distanciamiento. Las Meninas es su retrato más complejo e intrigante. En el centro se encuentra la hija del rey, la infanta Margarita, flanqueada por sus damas de honor, las meninas que dan nombre al cuadro. Pero Velázquez plantea un juego con nuestra percepción y la relación con los retratados. Se autorretrata a la izquierda, pintando en un gran lienzo, pero ¿por qué está ahí?, ¿qué hay en la tela?. No está pintando el retrato de la infanta, ya que está a su lado. La respuesta se esconde en el espejo del fondo, que refleja al rey y a la reina posando para el pintor. La pequeña infanta ha entrado en la estancia para ver a sus padres. Esta obra supone la absoluta perfección de la perspectiva aérea: el juego de luz y sombra entre la pared lateral, el techo y la puerta del fondo aumenta el efecto de profundidad y crea la ilusión de que el aire corre entre las figuras. También es una obra maestra en el tratamiento de la luz; son varias las fuentes de luz que iluminan el cuadro: la que entra por el ventanal y brilla sobre los trajes y las joyas; la que, a través de la última ventana se encharca en torno al colgadero de la lámpara, y la que se cuela imperiosa por la puerta del fondo cuando un enlutado personaje descorre la cortina. Técnicamente predomina la rica armonía de los colores y la pincelada larga y visible, preludiando la pincelada ligera y suelta de los impresionistas. La influencia de esta obra en la Historia del Arte fue inmensa: Goya, Manet, Picasso...

Título: El martirio de San Felipe.

Autor: Ribera.

Fecha: 1639

Estilo: Barroco español. Escuela valenciana.

Comentario: José Ribera, il Spagnoletto, pertenece a la escuela barroca valenciana, aunque realizó la mayor parte de su obra en la posesión española de Nápoles. El aspecto más conocido del trabajo de Ribera es la pintura religiosa, donde trata temas que recogen los postulados de la Contrarreforma: penitencia, sacrificio y resignación. En este cuadro se representa a San Felipe sufriendo martirio. Los personajes son tipos populares tratados con gran naturalismo; el esfuerzo físico realizado por los verdugos para levantar el cuerpo contrasta con la actitud del santo, que se abandona a la resignación. El vigor de su cuerpo se opone al desamparo en que se halla. La mirada dirigida al cielo acentúa su misticismo. Estas contraposiciones hacen más tenso el dramatismo del conjunto. Se trata de un lienzo de la segunda etapa pictórica del artista. El acentuado tenebrismo inicial ha dejado lugar a una mayor luminosidad-como se aprecia en el aclarado del fondo- y a una utilización más intensa del color, aprendido en la escuela veneciana. La composición está cargada de tensión barroca debido a la violencia de las diagonales y al juego de escorzos. Los contrastes de claroscuros realzan el naturalismo despiadado que no disimula los cuerpos gastados de los protagonistas y centran a la vez la atención del espectador en la figura del mártir. El punto de vista bajo hace que la escena sea más impresionante.

Título: Iglesia de la Madeleine.

Autor: Pierre Vignon.

Fecha: 1806-1842

Estilo: Neoclasicismo.

Comentario: En 1806, el emperador Napoleón decidió encargar a Vignon la construcción de un templo de carácter laico en homenaje a su ejército, elemento esencial para la existencia del imperio napoleónico. Tras la derrota y destitución de Napoleón, la orientación política europea restauró el absolutismo. Entonces, el edificio fue transformado en iglesia, que fue dedicado a Santa María Magdalena. El edificio consta de una planta exterior rectangular períptera, con una escalinata de entrada y un pórtico octástilo corintio a imitación del Partenón de Atenas o del templo romano de la Maison de la Carré. La planta rectangular, en el interior, contiene una planta de cruz latina con tres cúpulas en la nave central. Siguiendo el modelo del Panteón de Roma, Vignon diseñó óculos en el centro de las cúpulas para iluminar el templo. Tanto por la concepción estética como por la tipológica, este edificio es un prototipo del neoclasicismo imitativo. Con la utilización del lenguaje de los clásicos, el arquitecto quería transmitir la idea de que todo el edificio era símbolo de la razón. A pesar de que la Madeleine no aportó ninguna innovación en los aspectos técnicos y estructural, sirvió de modelo a los arquitectos encargados de realizar obras de carácter oficial en los distintos estados europeos del siglo XIX, como, por ejemplo, la fachada del edificio de las Cortes españolas.

Título: El juramento de los Horacios.

Autor: Jacques-Louis David.

Fecha: 1784-1785

Estilo: Neoclasicismo.

Comentario: Tras el descubrimiento de Pompeya y Herculano, la nueva sociedad, ilustrada y racionalista, encuentra en las formas clásicas de la Antigüedad la plasmación de sus ideales racionalistas. Busca un arte verdadero, natural, sobrio y severo. Un modelo ético para imponer a las masas. Esta obra describe el juramento que los tres hermanos Horacios hacen ante su padre para luchar por Roma, hasta la muerte si fuera necesario, contra los tres hermanos Curiacios. La actitud marcial y arrogante de los personajes masculinos contrasta con el recogimiento y desolación del grupo de las mujeres y niños. Esta oposición acentúa el dramatismo que ya de por sí tiene el acto del juramento. David pinta una obra moralizante en la que exalta el deber de los ciudadanos de sacrificarse por la patria. El lienzo presenta una composición equilibrada y racional; una galería porticada encuadra la escena en tres partes iguales. Los personajes situados en un mismo plano recuerdan la disposición de las figuras en los relieves de la Antigüedad. El predominio del dibujo permite una precisión que contribuye a idealizar los personajes.

Título: Los fusilamientos del 3 de mayo.

Autor: Francisco de Goya.

Fecha: 1814

Estilo: Preromanticismo.

Comentario: El 2 de mayo, los madrileños se alzaron contra el invasor, y al día siguiente los franceses se vengaron con saña ejecutando a cientos de rebeldes y otros muchos inocentes. La disposición de fusileros y fusilados es casi simétrica. Los soldados napoleónicos, de espaldas y con los rostros ocultos, permanecen en el anonimato y actúan como mero instrumento de la maquina de guerra, de la represión. La guerra se refleja con toda su brutalidad. El protagonista del cuadro es el pueblo desesperado. Los patriotas, de cara al espectador, muestran actitudes diversas ante la muerte inminente, mientras los cadáveres de los ya ejecutados yacen en el suelo bañados en sangre. Destaca el personaje de la camisa blanca que alza los brazos con la mirada desorbitada, símbolo de la impotencia ante la represión y de la rebeldía interior. La libertad del trazo y la intensidad del color traducen estos sentimientos con gran intensidad expresiva y extraordinaria veracidad. La luz del farol colocado en el suelo provoca fuertes contrastes lumínicos, a la vez que destaca a las víctimas, acentuando el dramatismo de la escena. Tanto por sus innovaciones técnicas como por la plasmación de las actitudes heroicas del pueblo, Goya, es un precursor del romanticismo. Por su intenso patetismo y expresividad esta obra será un antecedente del expresionismo.

Título: La balsa de la medusa.

Autor: Gericault.

Fecha: 1818

Estilo: Romanticismo.

Comentario: El cuadro retrata el momento en que los supervivientes de un naufragio- abandonados por su capitán en un episodio que escandalizó a Francia- avistan la nave que los salvará. El incidente se entendió en su día como una metáfora de la corrupción reinante en el país. Con esta obra el artista denunciaba la corrupción y las desigualdades imperantes en la sociedad francesa del momento. Pero para Gericault la obra también representa el enfrentamiento entre la vida y la muerte. Inspirándose en un episodio histórico, el pintor dibuja la escena en dos pirámides compuestas por líneas diagonales, estas líneas compositivas potencian la direccionalidad de la balsa, de adentro a afuera de la composición. Gericault utiliza la técnica del claroscuro, las luces vibrantes, el color por encima del dibujo, las figuras en escorzo y la pincelada libre para conseguir un conjunto de gran complejidad compositiva, con el que pretende exaltar las ganas de vivir a pesar de las adversidades. Por temática y por sus aspectos formales es una obra clave del romanticismo. En esta obra se perciben las muchas influencias que recibió el pintor, sobre todo del barroco y en particular de Rubens, en lo que respecta a las composiciones dinámicas, el claroscuro, las pinceladas sueltas y los colores. Pero Gericault introduce en su obra el aspecto psicológico; cada uno de los personajes que aparecen ha sido estudiados a conciencia, a fin de reflejar un estado de ánimo. El impacto que causó esta obra en épocas posteriores fue decisivo; los artistas dejaron de transmitir imágenes idealizadas del mundo y empezaron a enfocar el arte como representación de la realidad o como visión subjetiva de lo que el artista captaba.

Título: Entierro en Ornans.

Autor: Gustave Courbet.

Fecha: 1851

Estilo: Realismo.

Comentario: La originalidad del cuadro reside en la manera de tratar el tema: se representa la realidad de una manera objetiva y tangible. La muerte de un vecino no parece provocar un gran dolor entre los asistentes al acto. Nadie presta atención a la ceremonia y el enterrador muestra una actitud de clara impaciencia. Delante, en lugar preferente, aparece un perro, en una clara muestra de la voluntad de Courbet de reflejar la realidad sin someterse a jerarquías preestablecidas. La idea de que es posible representar las cosas de un modo objetivo se abre camino en un ambiente cultural convulsionado por los recientes avances de la ciencia y la técnica. Los positivistas propugnaban la utilización del método científico en toda actividad humana. El reciente invento de la fotografía hace que las imágenes de la naturaleza puedan plasmarse con toda exactitud. Courbet concibe la pintura como “testimonio de la realidad”, lo que supuso un desafío al arte convencional francés. Esta obra molestó a mucha gente y fue rechazada por los responsables de la Exposición Internacional de París. Para los artistas realistas, el arte debía reflejar ante todo la vida cotidiana y las problemas de la clase trabajadora. Courbet, líder del movimiento, propugnó un arte que recogiera los planteamientos de la izquierda política. El cuadro presenta una composición a modo de friso bastante estática. La técnica no es innovadora, se continúa la tradición naturalista de los maestros del barroco.

Título: Casa Batlló.

Autor: Antoni Gaudí.

Fecha: 1904-1906

Estilo: Modernismo.

Comentario: Joseph Batlló encargó a Gaudí la reforma de la fachada, la distribución del patio de luces y la adaptación del piso principal para vivienda de un edificio situado en el Paseo de Gracia de Barcelona. Es una obra de madurez del artista en la que plasma su concepción del arte. La planta baja y el piso principal muestran una estructura más abierta que las plantas superiores, predominando el vacío sobre el muro. La suave y fina piedra de Montjuïc ha sido tallada en formas recurvadas y caprichosas. Las aberturas están sostenidas por columnas de distinta anchura que reproducen formas orgánicas como árboles y huesos. La estructura de madera de los ventanales también es ondulante, y las vidrieras emplomadas, de vivos colores, dotan a esta parte del edificio de una de las características más típicas del modernismo : una estructura orgánicamente articulada. En los pisos superiores destacan los balcones en forma de antifaz realizados en hierro colado. El muro brilla gracias al revestimiento de fragmentos de cristal y trozos de mosaicos de porcelana. El tejado está coronado por una forma grande y fluida que recuerda las escamas petrificadas del lomo de un dragón. Se le añadieron dobles buhardillas y una torre-chimenea de forma cilíndrica. La fantasía gaudiana se hace patente cuando la luz incide en la fachada, dotándola de vida. La obra de Gaudí es admirada por todos los arquitectos contemporáneos, que aprecian su relación entre técnica, estética, función y espacio.

Título: Las ninfeas.

Autor: Claude Monet.

Fecha: 1899

Estilo: Impresionismo.

Comentario: En las series, variaciones de un mismo tema, Monet, experimenta los efectos de la luz en diferentes horas del día y en diversas condiciones atmosféricas. En cualquier cuadro de una serie -La catedral de Ruán, Las ninfeas, etc.- no pretende fijar lo que es, lo que permanece, sino plasmar lo que cambia, el devenir. En 1883 Monet compra una casa en Giverny. Allí pinta Las ninfeas del estanque de su jardín. Las escenas más complejas de esta serie son las que representan el lago sin orillas. Son composiciones planas, sin perspectiva, donde se confunden tres espacios: uno, más concreto, la superficie donde flotan los nenúfares; los otros dos, más difusos, constan sólo de destellos: el cielo reflejado y el fondo que se entrevé en la transparencia del agua. Poesía de un paisaje donde se funden vegetación, cielo y agua. Preocupado por los efectos estéticos de la combinación de colores, realiza un arte esencialmente decorativo; un mundo de sugestiones que potencia al máximo las posibilidades de la sensación. Monet, absorto en los efectos especiales de la luz, pinta la atmósfera más que los objetos y sobrepasa la simple figuración.. Pierde la referencia a la realidad en beneficio de un arbitrario juego de colores y de luz. En sus series, Monet abre el camino de la investigación hacia el arte abstracto. A través de él, Kandinsky entendió que forma y color pueden no depender del objeto y expresar emociones por sí solos.

Título: Las señoritas de Avinyó.

Autor: Pablo Picasso.

Fecha: 1907

Estilo: Cubismo.

Comentario: En Las señoritas de Avinyó, al influjo de la escultura negra y del arte ibérico se añade el impacto de Cézanne, del que en 1907 se celebra una exposición conmemorativa. Picasso siente la necesidad de expresar la sensibilidad de la sociedad del siglo XX y empieza a trabajar en una nueva composición. En el lienzo aparecen cinco mujeres (prostitutas de un burdel) como objeto estético, cuya finalidad es conmover o deleitar al espectador. El tradicional tema del desnudo femenino sirve aquí para plantear la descomposición de la naturaleza en formas geométricas puras y la búsqueda de los colores esenciales, todo ello dentro de una tendencia primitivista. Consciente del peso de la tradición pictórica, los cinco desnudos representan los distintos estadios de la humanidad: la rígida figura de la izquierda evoca el hieratismo del arte egipcio, las dos figuras centrales simbolizan la belleza clásica griega, mientras que las figuras de la derecha, cuyos rostros aparecen extraídos de la escultura africana, enfatizan la intensidad de las tribus primitivas. En el aspecto compositivo, el cuadro rompe radicalmente con las leyes de la perspectiva. Las figuras se sitúan en un marco irreal; no hay luces ni sombras, ni diversidad de planos. La perspectiva es un recurso que puede utilizarse con total libertad. Se adoptan diversas perspectivas en una misma figura, por ejemplo las figuras centrales tienen los ojos de frente y la nariz de perfil. La utilización del color también es totalmente libre: ocres, blancos, azules… Las únicas figuras que tienen un cierto sombreado son las africanas. Picasso transforma la realidad de la naturaleza bajo nuevos criterios estéticos que darán origen al cubismo. El arte ha dejado de decir, a partir de ahora deberá interpretarse.

Título: El grito.

Autor: Edward Munch.

Fecha: 1893

Estilo: Expresionismo.

Comentario: En El grito las líneas ondulantes configuran formas que más que figuras son siluetas. Tomadas del esteticismo modernista, donde no eran más que un puro juego, son utilizadas por Munich para expresar el universo de la soledad, la angustia, el miedo y la impotencia. Todas las líneas parecen tener vida y emanan de la cabeza abierta en un grito. Cielo, agua y tierra no son sino reflejo del mundo interior del personaje de aspecto cadavérico. Las diagonales agudizan la vaciedad del espacio y el aislamiento del protagonista. La agitación y mezcla de colores expresan un estado anímico convulso. Munch muestra la tragedia de la vida en un arte figurativo que no imita la naturaleza sino que es totalmente subjetivo. Para alcanzar tal intensidad expresiva el pintor recurre a una técnica de dibujo aparentemente descuidado y de trazos torpes. El grito expresa la desesperación, la angustia, la ineludible soledad del ser humano en la negrura de la vida. Es el rechazo de un mundo falsamente optimista y la contemplación de la vida con despiadada lucidez. Es el protagonismo de lo emocional como esencia del arte. La pintura de Munch es tanto el reflejo de la inquietud e intereses de su propia cultura como la manifestación de una trayectoria personal llena de frustraciones. Munch es nórdico, como lo son el dramaturgo Ibsen, que escribe sobre el drama de nuestra propia vida, y el existencialista Kierkegard. La obra de Munch ejerció una profundísima influencia en el expresionismo alemán.

Título: La casa de la cascada.

Autor: Frank Lloyd Wright.

Fecha: 1936-1937

Estilo: Arquitectura orgánica.

Comentario: Este edificio, construido en tres niveles, se asienta en una roca sobre una cascada natural. Su composición es horizontal, aunque algo compleja. El eje vertical queda definido por la chimenea que sobresale por encima de la cubierta. El edificio crece de dentro hacia afuera y se va extendiendo según las necesidades de sus moradores. Por lo tanto, puede modificarse, ya que en la arquitectura orgánica la construcción se concibe como algo vivo y que puede cambiar. Cada piso esta marcado por amplios voladizos que se proyectan asimétricamente en varias direcciones. En realidad son terrazas limitadas por placas lisas de hormigón. Para adoptar esta solución, Wright se inspiró en la arquitectura japonesa. El exterior de la casa mantiene una íntima relación con la naturaleza que la rodea. El arquitecto procuró emplear materiales naturales-madera, ladrillo, roca-, con lo que logró una mayor integración entre el edificio y el bosque que lo envuelve. Lo que realmente preocupa al arquitecto es la habitabilidad del interior. El espacio interior debe ser amplio y libre, y por eso intenta evitar en lo posible todos los límites. La gran sala de estar tiene un muro de cristal que permite disfrutar de la visión de la cascada, además de percibir su relajante rumor. La utilización de grandes ventanales elimina la separación entre las habitaciones sus terrazas. Éstas tienen, entre otras funciones, la de reflejar la luz natural y proyectarla de forma indirecta hacia el interior. La terraza superior da un carácter más intimista a la casa. Con esta obra Wright consigue la máxima libertad de expresión manteniendo la armonía con el entorno. Con la integración de agua, árboles, roca, cielo y naturaleza en toda la vivienda se cierra una cierta visión romántica de la casa, pero se abre una nueva dimensión espacio-temporal para el refugio del hombre.

Título: Mujer yacente con niño.

Autor: Henry Moore.

Fecha: 1961

Estilo: Abstracto.

Comentario: Moore es la figura cumbre de la plástica contemporánea. Gran conocedor y admirador de la estatuaria griega y primitiva (egipcia, maya, negra). Su temática se reduce a múltiples variaciones en torno a la figura humana, creando modelos intemporales como el de la maternidad. Mujer yacente con niño es una monumental escultura que posee cualidades misteriosas y sensuales. El juego de volúmenes que crea entronca con la arquitectura orgánica por el desarrollo de los perfiles curvos y ondulados que definen lo vital e infinito de la naturaleza. Henry Moore es uno de los primeros escultores que trabajan el vacío, el hueco. Según sus palabras “la escultura aérea es posible: la piedra se limita a rodear al hueco, que es la forma pretendida, sugerida”. Su estilo se mueve entre la abstracción, la figuración y la semifiguración. Sus figuras son tratadas como si fueran arquitecturas, adquieren un carácter monumental .